Su trabajo se desarrolla entre la fotografía documental y otras disciplinas artísticas, con la investigación histórica como una práctica constante. A través del archivo, testimonios y objetos encontrados, se interesa en comunidades –sus afectos y paisajes– de diversas regiones de México. Su obra busca reactivar memorias y establecer conexiones sensibles desde la reconstrucción de narrativas alternas, mediante ensayos fotográficos, instalaciones y otros dispositivos que abren espacios de reflexión desde lo íntimo hacia lo colectivo.

Con el ensayo fotográfico Mujeres Flores recibió el Premio Nacional de Cultura Fernando Benítez (2010). Ese proyecto fue publicado en libro por La Fábrica (España, 2011). Ha sido parte del International Studio & Curatorial Program (ISCP) en Nueva York, fue nominada por Susan Meiselas al Rudin Prize for Emerging Photographers, y participó en el Joop Swart Masterclass de World Press Photo. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, con el proyecto La historia de un bosque, una investigación sobre los bosques limítrofes de la Ciudad de México.

En 2023 participó, junto con la oficina Ardelesp, en el Pabellón de México de la 18ª Muestra Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia, con una serie fotográfica sobre canchas de basquetbol en comunidades indígenas de Puebla, Veracruz y Sonora. Ha participado en bienales y festivales de fotografía, y ha expuesto su trabajo en México, España, Alemania, Estados Unidos, Guatemala y Francia, entre otros países.

Su obra ha sido publicada en medios internacionales como National Geographic, The New Yorker, Time LightBox, British Journal of Photography, Ojo de Pez, GUP, Vice, Monocle, FOCUS, Die Welt, FT Weekend Magazine, Colors, Yo Dona e IMA Photography Journal, entre otros. Ha expuesto en instituciones como el Centro de la Imagen, el Museo Carrillo Gil, el Museo de la Ciudad de México y el Museo de Bellas Artes de la Ciudad de México.

Daniela Anelisse Rodríguez es directora, fotógrafa y diseñadora norteña con una estética marcada por la energía de los 90. Su trabajo cruza disciplinas —del cine al diseño, del documental a la imagen fija— siempre guiado por un uso intuitivo del color y un humor sutil que se filtra incluso en sus proyectos más formales.

Emiliano Aivar (Ciudad de México, 1992). Artista visual que usa la fotografía como un medio para trazar el mapa de un territorio. Su trabajo busca señalar los procesos inherentes a la práctica fotográfica que suelen pasar desapercibidos. Estudia la maestría en Producción Artística de la Facultad de Artes de la UAEM, y es licenciado en Artes Plásticas y Visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Es colaborador del Instituto de la Imagen Latente y fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2019-2020). Desarrolló el proyecto La gran vía, una investigación sobre la Calzada de Tlalpan en la Ciudad de México, el cual fue seleccionado como parte de la XIX Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen (2020). Su obra formó parte de la carpeta conmemorativa del Centro Multimedia por los XXV del CENART (2019). Ha participado en exposiciones de forma colectiva y cuenta con dos exposiciones individuales: Todas las cosas son fugitivas (2020), Sobre la Foto débil (2023).

Egresado de la licenciatura en Artes Visuales en ENPEG “La Esmeralda”; formó parte del Programa Educativo de SOMA en la generación 2022 y fue acreedor de la beca “Jóvenes Creadores” del SACPC (antes FONCA) en dos ocasiones; 2020-2021 y 2024-2025 en la categoría de foto-grafía. Durante Abril de 2023 forma parte de “residencies in transit” en Hangar C.I.A, Lisboa, Portugal. Fue residente del primer ciclo de 2024 en Pivô arte pesquisa, São Paulo, Brasil y realizó el programa “Soma summer” 2024. En 2019 presentó su primera exposición individual titulada “PICO DE GALLO” como parte del ciclo de exposiciones de la ENPEG “La Esmeralda”. En 2023 participó en la décima edición de Salón ACME, de la que fue acreedor al “Premio del salón”. Su obra forma parte de colecciones privadas yde la colección de la Fundación JUMEX de arte contemporáneo.

Camilo Christen es un artista visual especializado en fotografía y video, con quince años de experiencia en el mundo editorial y en la industria de viajes. A lo largo de su carrera ha construido un vasto archivo audiovisual en el que explora el paisaje, el retrato y lo abstracto, teniendo siempre a la naturaleza como su principal fuente de inspiración. Su trabajo ha sido publicado en diversos medios impresos como Travesías, Vogue, Gatopardo, National Geographic Mexico, entre otros.

Ana Hop es una fotógrafa nacida en Ciudad de México. Su trabajo se centra en el retrato, principalmente con luz natural. Se graduó en la Universidad Iberoamericana, donde estudió comunicación. Más tarde vivió en Londres para estudiar fotografía en Central Saint Martins. A su regreso  a la Ciudad de México, se especializó en fotografía de retrato. Busca crear empatía con temas sociales como enfermedades mentales o adicciones.

En sus retratos, destaca el juego de contrastes que consigue al intercalar luz dura y difusa, logrando una singular cercanía con sus personajes. Esta interacción es una parte importante de su estilo.

Ana fue parte de la exposición colectiva “Narrativas no lineales” en la galería Patricia Conde en abril del 2021. Ha publicado su trabajo en revistas como:  VOGUE, MONOCLE, The New Yorker, Gatopardo, GQ, Esquire, PEN Magazine, National Geographic, entre otras.